杨 蓉

    艺术的继承与创新是个永久性话题,早在建国之初,毛泽东就提出“百花齐放，推陈出新”的方针。在戏曲不景气的今天，戏曲的创新更是不断研讨和探索的课题。创新是戏曲繁荣和发展的动力，永葆生机和活力的源泉，是其生存与发展的生命力所在，是时代发展的需要。但是，中国戏曲在悠长的发展过程中，形成了自己独特的艺术风格和创作规律，我们在追求创新的同时不能忽略它的本质特征，不能悖离它的自身发展规律，更不能丢弃它的本体，只有在继承它的优秀传统，借鉴前人成功经验，在舞台实践基础上将戏曲与时代精神相结合，才能做到有益的创新。

    戏曲的魅力，来自思想的深刻性、戏剧的丰富性和艺术的和谐美。戏曲创新应是对此的深化，在继承传统的基础上，与时代性、实践性、多样性相关联，追求当代意识与戏曲艺术美的汇合。

    回顾建国后的几十年，戏曲创新曾出现两种倾向：前期是片面强调作品的政治、思想主题性和宣传性，人物成了传声筒，舞台成了讲台；后期又突出反传统探索，追求形式的新奇，哲理的深奥，让人猜不透、看不懂，误认为不像戏的才是好戏。近年来，戏曲创新在多年实践的基础上重新探索，从文学到舞台，都在着力追求戏曲的本质特征的回归与升华，戏曲艺术魅力的开掘与张扬，这些探索对戏曲的发展起到了一定的积极作用。

    从剧本创作来看，一出好戏离不开思想性和哲理性的追求，但倘若一味地追求深刻的思想、高深的哲理，而使剧目变得晦涩难懂，高深莫测，甚至人在戏中，言在戏外，同样也是不可取的。戏曲本身是一种俗文化，它产生、发展于民间，又是以流向民间而获得生命力，

    必然与人民的情感相投合、审美相融洽。因此剧目创作应追求高雅品位与通俗表现相结合，迎合观众的欣赏趣味，引起观众的情感共鸣，使观众能看懂、看清、看透，还戏于人民。在这方面，福建的戏剧创作曾进行大胆而有意的创新。从上世纪的七十年代末开始，福建的历史剧创作在全国产生很大的影响，出现了《秋声赋》、《魂断燕山》、《晋宫寒月》等一批优秀剧目，为历史剧创作积累了宝贵的经验，

    这些剧目有一个共同的特点，都追求思想内涵的深刻、情节的扑朔迷离、人物关系的错综复杂，然而观众往往也容易陷入到复杂的剧情漩涡中，冲淡了戏曲应有的观赏性。近年来福建涌现的一批杰出剧目如《江上行》、《董生与李氏》、《凤冠梦》等，情节线条简洁了，人物关系清晰了，戏剧情趣加强了，哲理意蕴加深了，观众更容易接受，因为它抓住了戏曲的艺术特征，充分展现了戏曲的魅力，回归到了戏曲的本来面目。

    鲜活的人物形象是戏曲创作成功的关键因素，也是元杂剧和明清传奇的主要艺术特色。回顾优秀的传统戏，几乎每部均有富有个性的艺术形象，戏曲的特点是在戏剧性的冲突、情境和人物关系的网扣中，敞开人物胸怀，流露人物的思想和情感，引起观众共鸣，以此打动观众。因此我们的创新应是探寻通向观众的心灵之路，寻找与现代观众思想感情的相通之点，从时代、从生活中捕捉到与当代人的思想情感的共鸣点，从人民中汲取生活营养酿制成好戏，再送还人民中去，才能达到当代意识与戏曲的融合，达到真正意义的创新。

    戏曲是综合性的舞台艺术，戏曲的创新往往与舞台呈现形式的创新相关联。随着人们欣赏习惯的改变，审美追求的日益提高，舞台呈现也在日新月异地变化着，“一桌二椅”式的舞台已不能适应时代的需要，于是，一些大投入、大制作也随之而来，舞台变得富丽堂皇，不仅写实性增加，许多高科技手段也运用进来，这自然增加了舞台的观赏性，给人以美的享受。然而，中国传统戏曲的舞台是虚拟的、空灵的，正是这种虚拟和空灵，突出了演员的表演，使观众能更好地欣赏演员的技艺，融入人物和剧情中去。与之相反，现代戏曲中的一些大制作往往伴随着剧情的空洞，人物的苍白，舞台的华美更是淹没了演员的表演，观众走出剧场，只剩下空空的舞台印象，这样的创新不应该提倡，它违背了戏曲的艺术特征。

    此外，戏曲舞台为了突出时代感和现代特征，还尝试将一些影视、歌舞的艺术手法融入进来，以增强观赏性，这种交融的确有利于戏曲的发展，戏曲正是在与不同的艺术形式不断交汇、融合中发展起来。但这种融合不能脱离戏曲本体与剧种特色而生硬强加，生搬硬套。我们常常看到一些剧目把影视手法生硬地运用在舞台上，与戏曲的表现手法格格不入，甚至把戏切碎了塞进歌舞，搞得不伦不类。还有些剧种在音乐创作上融汇音乐剧、歌剧甚至流行歌曲的曲调，变得歌、曲不分，逐渐丧失了剧种本身浓郁醇厚的剧种特色和地域特色，结果适得其反，反而失去赖以生存的观众和市场。

    戏曲的创新还将在长期的舞台实践中不断探索，只有不断地创新，才能不被历史逃汰。戏曲的创新不能离开本体，否则，它将被新的艺术形式替代。